sonicBoom.ru

Ars Nova - это период в развитии западно-европейской музыки, начавшийся во Франции и Бургундии приблизительно в 1300 г.

В 13-м веке католическая церковь уже успела достичь пика своего могущества, и это оказывало тормозящее влияние на развитие новых стилей в как в музыке, так и в искусстве вообще. Музыка этого периода, предшествовавшего эпохе Ars Nova, известна как период Ars Antiqua. Её типичная черта - статичность. В 1309 году началось Вавилонское изгнание Папы Римского - центр католической церкви перемещается из Рима в Авиньон. Это ознаменовало собой возобновление экспериментов в искусстве. Благодаря таким композиторам-новаторам как Филипп де Витри возник совершенно новый стиль, характеризовавшийся всё более сложной ритмикой. Именно вследствие усложнения ритмики музыкальных произведений потребовалось изобретение новой нотации. Постепенно возникла музыка с медленно текущим нижним голосом - cantus firmus - и подвижными верхними голосами с изощрённой ритмикой. Более поздний представитель стиля Ars Nova и вместе с тем один из величайших композиторов Средневековья - Гийом де Машо. Для его произведений характерна изоритмия, т. е. один ритмический мотив, повторяемый в различных голосах.

Читать далее »

Этот пост - дополнение к первой части цитат о музыке.

Музыка - это мелодия, текст к которой формируется миром.

Самое важное в музыке не написано в нотах.

Ноты, которые не играются, так же важны или даже важнее чем те ноты, которые играются.

Музыка - это бегство от страха

Архитектуру назвали застывшей музыкой. Так же и музыку можно назвать текучей архитектурой.

Все искусства убеждают нас, а музыка доставляет нам сюрпризы.

Музыка и ритм находят путь к тайным местам души.

Когда заканчиваются слова, начинает говорить музыка.

Магия музыки заключается в том, что она пробуждает в нас тоску по тому, что мы никогда не знали.

По своей сути музыка так же бесполезна, как и жизнь.

Одна из особенностей музыкальных стилей Африки - их вопросно-ответный характер, который дополняется форсированной полиритмикой. При одновременном звучании различных ритмов возникает множество ритмических слоёв, сливающихся в единое сложное целое. В этой полиритмической целостности каждый музыкант, танцор или слушатель имеет собственное место. Именно это и объясняет вопросно-ответный характер африканской музыки. Песенный жанр в африканской музыке - это вопросно-ответные ситуации, где солист и хор повторяют предложения. При этом хор часто состоит из публики. Таким образом, исполнение музыки в африканской культуре и её слушание - это форма коммуникации. Слушать африканскую музыку - это не то же самое, что слушать западно-европейскую музыку. Женщина, качающая младенца в колыбели, разговор на деревенской улице, работающие на поле крестьяне, игра в шашки... В Африке всё это происходит полиритмично. Вследствие этого у африканской культуры есть одна характерная черта - подчёркнутость контекста каждого элемента и его связь с целым. Также и в музыкальных событиях, контекст социальной ситуации - это самое важное. Цель в африканской музыке - завлечь максимальное количество людей в музыкальное событие.

Музыка воспринимается в Африке совсем иным образом, нежели в Европе. В Африке музыка не является выражением чувств индивида или религиозных убеждений общности. Муызка в Африке - это неотъемлемая часть социальной жизни и продуктивная форма коммуникации. Ритмы формируют единство. Во многих случаях музыка используется как средство против болезней или способ получить благоволение богов. Музыка способствует взаимодействию между людьми и даёт им место в общности.

В древнейшие времена в Китае музыка имела прежде всего культовое значение. Вместе с поэзией и танцем она считалась неотъемлемой частью ритуала, но помимо этого она должна была также приводить человека к гармонии с космосом.

Издавна музыка рассматривается в китайской традиции как нечто позитивное, приносящее счастье. Это видно также и в иероглифическом написании китайского слова слова yinyue (“музыка”) и kuaile (“радость”).

Самым древней археологической находкой Китая считается флейта, изготовленная из кости. Возраст этого инструмента – около восьми тысяч лет.

Один из древнейших памятников китайской музыки – это Книга Песен, которая была составлена в период с 1000 по 600 г до н. э. Этот памятник содержит народные мелодии, религиозные песнопения, государственные гимны, а также любовные, военные песни и разного рода элегии. Любовная лирика занимает отдельное место благодаря свежести и чистоте языка.
Также и Конфуций рассматривал музыку как инструмент достижения космической гармонии. Помимо прочего музыка должна была служить нравственному совершенствованию человека и усмирению его страстей. Конфуцию приписывается авторство песни Youlan (Одинокая орхидея), которая считается старейшим сохранившимся музыкальным произведением Китая. Весь период династии Чжу характеризуется богатой музыкальной традицией. В это время преобладали прежде всего духовые и ударные инструменты. Мо-цзы – оппонент Конфуция – считал музыку лишь эстетической категорией, а занятия музыкой – бесполезной тратой времени.

Во время правления поздних династий китайская музыка испытала значительное влияние других культур, особенно среднеазиатской. Именно из Средней Азии в Китай пришли такие инструменты как цитра, лютня и различные смычковые инструменты. Император Тайцзонг содержал при своём дворе десясть оркестров, из которых восемь состояли из музыкантов, приглашённых из других стран. Китайские музыканты в этот период также путешествовали в другие страны, обретая известность за пределами родины. Именно в эпоху династии Тань светская музыка освободилась от своих религиозно-культовых корней и обрела самостоятельное значение. Расцвета в этот период достигла расцвета китайская цитра чинь (qin). В этот период зародилась также и китайская опера: император Сюань-чжонг (712-755) основал Грушевый сад (liyuan), самую известную оперную труппу Китая.

Несмотря на то, что музыке в Древнем Китае приписывалось огромное значение для гармонии и стабильности государства, музыканты имели более низкий социальный статус по сравнению с художниками. Теоретическим исследованиям музыки в Древнем Китае отводилось сравнительно мало внимания. Многие китайские императоры брались за изучение народных музыкальных обычаев, отправляя своих посланников собирать песни. Основываясь на собранные песни император мог изучать настроения народных масс. Памятник конфуцианства Ши цзинь, содержит множество популярных песен периода с 800 по 300 г до н. э.

Барабаны - это самая большая группа музыкальных инструментов среди мембранофонов. Звук барабанов создаётся ударами по натянутой коже (мембране). Удары производятся либо руками, либо палочками. По способу звукоизвлечения барабан классифицируется как ударный инструмент. Барабан - неотъемлемый элемент самых различных музыкальных стилей и составов. Ударные оркестры состоят почти исключительно из барабанов.

Барабаны могут иметь различный объём, а для обтяжки могут использоваться несколько разных материалов. Каждая комбинация объёма и материала обтяжки даёт особое звучание. При этом действует правило: чем больше объём барабана, тем ниже звук. Материал, из которого изготавливается корпус барабана, оказывает решающее влияние на окраску звука. Так, к примеру, дерево имеет более тёплое звучание, чем металл, стекловолокно или пластмасса. Дерево - это наиболее обычный материал. Порода дерева, его толщина и отделка - всё это также влияет на характер звучания.

Материал, из которого изготавливается мембрана (кожа или пластмасса), толщина мембраны и степень её натяжения также оказывают определяющее влияние на звук.

Читать далее »

Архитектура - застывшая музыка. Музыка - живая архитектура. Композитор - это архитектор, который проектирует разворачивающиеся во времени структуры.

Как однажды подметил Густав Флобер, архитекторы, проектируя дом, имеют склонность забывать о лестнице. Если мы уподобим музыкальное произведение проектируемому дому, то лестницей будет то, что позволяет нам войти и выйти. "Войти" значит приблизиться к пониманию структуры, а выйти - значит сформировать по возможности яркое впечатление и приятное воспоминание.

Артур Шопенгауер утверждал, что музыка - это, с одной стороны, прямая объективация воли. С другой стороны, музыка - способ познания воли как первоосновы бытия. Уникальность музыки - это способность к выражению самой себя посредством самой себя. В произведениях живописи, к примеру, выражаются какие-либо идеи, которые уходят корнями в культуру и мировоззрение. В музыке же всё не так: там нет ничего привнесённого извне.

Читать далее »

За свою многолетнюю историю прогрессивный рок развил многочисленные течения. Наиболее важные из них:

Adult-oriented Rock (AOR): Adult-oriented rock - это мелодичная гитарная рок-музыка 80-х годов. Отличительная черта - гармонический вокал, а также склонность к перфекционизму и некоторая напыщенность. AOR родственен мелодик-року. Значимые группы этого жанра - Alan Parsons Project (поздние альбомы), Asia, Saga, Toto, Journey и Survivor.

Artrock: Арт-рок - это рок музыка претендующая на особую художественность и прогрессивность. Это направление дополняет считающуюся простой рок-музыку музыкально сложными деталями, увеличивая художественную ценность музыки. Это выражается, к примеру, также и в компоновке альбомов и концертов. Арт-рок родственен стилю арт-поп. В обоих стилях отмечается широкое использование синтезаторов и сэмплеров. Наиболее важные представители арт-рока - это Pink Floyd, Peter Gabriel, Supertramp, Kate Bush, Tori Amos, The Alan Parsons Project, David Bowie и Bjork.

Читать далее »

Арабская музыка - это музыка арабоговорящих народов, живущих в странах преимущественно вокруг Аравийского полуострова. Столицей арабской музыки можно считать столицу Египта Каир, где распространены музыкальные инновации и самые разнообразные региональные стили - от марокканских до аравийских. Классическая арабская музыка пользуется большой популярностью среди населения арабских стран. Региональные стили популярной музыки - это алжирский стиль рай, марокканский гнава, кувейтский савт и египетский аль-джиль. Арабская музыка имеет своих звёзд, количество которых невелико, но они популярны во всём арабском мире.

Видео: Gnawa Diffusion - Baba Salem

Читать далее »

Несколько забавных
цитат о музыке из разных источников.

Продолжение цитат о музыке здесь.

10. Принимайте музыкальную ванну раз или два в неделю в течение нескольких месяцев — и убедитесь, что музыка для души — это то же самое, что и вода для тела.

Оливер Уэнделл Холмс (Oliver Wendell Holmes)

9. Музыка Вагнера на самом деле лучше, чем она звучит.

Марк Твен (Mark Twain)

8.Вся хорошая музыка уже давно написана почтенными господами в париках.

Фрэнк Заппа (Frank Zappa)

7. То, что глупо говорить, следует петь.

Вольтер (Voltaire)

6. Фортепиано — это монстр, который рычит, когда дотрагиваешься до его зубов.

Андре Сеговия (Andre Segovia)

5. Мою музыку лучше всего понимают дети и животные.

Игорь Стравинский (Igor Stravinsky)

4. Я ненавижу музыку, особенно когда она играет.

Джимми Дюрант (Jimmy Durante)

3. Ад кишит музыкантами-любителями. Музыка — это бренди для проклятых жизнью.

Бернард Шоу (Bernard Shaw)

2. Жизнь была бы ошибкой без музыки

Фридрих Ницше (Friedrich Nietzsche)

1. Играть на музыкальном инструменте — это просто. Главное — в нужное время нажать нужную клавишу, и инструмент заиграет сам.

Иоганн Себастьян Бах (Johann Sebastian Bach)

Продолжение цитат о музыке здесь.

Стеклянная гармоника была изобретена в 1761 году Бенджамином Франклином. В истории музыки стеклянная гармоника занимает особое место, но, к сожалению, сегодня - это практически забытый инструмент.

При игре на стеклянной гармонике существует два способа извлекать звук: ударом и трением. При этом кончики пальца должны быть слегка влажными. Что касается ударов по стеклянным сосудам для создания музыкальных звуков, то они были известны ещё задолго до появления стеклянной гармоники. Но трение стеклянных сосудов для получения звука - было совершенно новым приёмом. По технике игры стеклянная гармоника отчасти напоминает клавишный инструмент, что и определяет её возможности. Диапазон стеклянных гармоник - от двух с половиной до четырёх октав. Настройка - хроматическая. В 20-м веке стеклянная гармоника была усовершенствована. Сегодня существует, к примеру, и клавишный вариант стеклянной гармоники, где клавиши соединены с помощью специального механизма с издающими звук чашечками. Одна из современных разработок - это инструмент под названием веррофон (Verrophon) созданый мастером Сашей Реккертом из Мюнхена в 1983 году. Веррофон - это набор стеклянных трубок, смонтированных вертикально на деревянном корпусе. Высота звука каждой трубки определяется не диаметром, а длиной. Трубки имеют одинаковый диаметр и это позволяет брать на веррофоне шести- и даже восьмизвучные аккорды. А кроме этого, на веррофоне можно легко исполнять все произведения, написанные для стеклянной гармоники.

Как звучит стеклянная гармоника?

Как утверждают историки, стеклянные музыкальные инструменты были впервые изобретены на Ближнем Востоке. В средневековой Европе они были известны примерно с 15-го века. В своей биографии Бенджамин Франклин не рассказывает о том, как ему пришла идея создать стеклянную гармонику. Техника игры на стеклянных музыкальных инструментах была частично известна ещё до появления стеклянной гармоники. Кроме того, центральная ось с чашечками уже была известна за два десятилетия среди часовщиков и колокольных мастеров. По утверждению исследователей, Франклину принадлежит идея ножного привода к вращающейся оси со стеклянными чашечками. В автобиографии Бенджамин Франклин описывает некоторые технические особенности процесса изготовления, шлифовки и настройки чашечек стеклянной гармоники. Это позволяет заключить, что он интенсивно работал над созданием ряда инструментов. Первые инструменты были созданы Франклином в Лондоне. Но известно также, что он продолжал совершенствовать стеклянную гармонику и по возвращении в Америку.

В 1791 г. стеклянную гармонику услышал Вольфганг Амадей Моцарт. Для слепой исполнительницы Марианны Кирхгеснер, которая обладала виртуозной техникой игры, Моцарт написал два произведения: квинтет для стеклянной гармоники, флейты, гобоя, виолы и виолончели (KV 617), а также соло-адажио (KV 617a). Эти два произведения значили много для Марианны Кирхгеснер: именно они послужили началом её десятилетнего турне по всей Европе, где она играла для знатных дворян и давала уроки. Во время путешествий по Европе Марианна Кирхгеснер познакомилась практически со всеми значимыми композиторами своего времени.

Стеклянной гармоникой восхищались многие известные люди той эпохи, такие как Иоганн Вольфганг Гёте, Фридрих Шиллер, Георг Вильгельм Фридрих Гегель и другие. Франц Лист сравнивал игру Фредерика Шопена, помимо прочего, со звучанием стеклянной гармоники.